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Lee, Kyoung Hee 이경희-On …
Lee, Kyoung HeeRecent Discourse of artworks작품론 / '달에 대한 생각'On the analogy of 'Memory of the Moon'120X1120X180cm, Mixed media on lenan
작품론 / On
the analogy of memory of the moon
From
a universal humanities psychology point of view, attitudes and habits expressed
from human self-consciousness also completely dominate the creative soul for
self-realization to artists. In a positive way, it is the source of mental
energy that creates good energy that leads to the formation process and
creative way of life, while in creative thought, that irrecoverability is also
a great trauma of mental chaos. Therefore, the cognitive ability of the
attitude and habit of creating works acts as a basic element of mental passion
that is very important to the artist.
Recently, Lee, Kyung-hee's concept of work has changed significantly visually.
In particular, the period she indulged in so-called concrete paintings that she
had drawn on canvas or paper with a brush was quite long. Nevertheless, through
such self-denial in the early 60s, there is a big change in perception of the
attitude of boldly giving up the framework of the formative sense based on the
authentic painting style. It is the fact that it awakens from the simple
classical aesthetics of compulsion to draw something on the canvas and shows
the result of evolving new intuition and thoughts into a conceptual form as a
liberation zone that contemporary people long for from their true persona. This
is a short of tantamount to a bold abandonment of the materialistic thinking of
modernism, which has long been obsessed and worshipped in her aesthetic
consciousness. 보편적으로 인문심리학적 인식체계의 관점에서 보면 인간의 자의식에서부터 발현되는 태도와 습관은 예술가들에게
자아실현을 위한 창의적 영혼을 완전히 지배하기도 한다. 긍정적인 면에서 삶의 형성과정과 창작방식을 이끄는
좋은 기운을 만들어내는 정신적 에너지의 근원이 되지만 반면에, 창의적 사유에 있어서 회복불능이란 큰
정신적 혼돈의 트라우마가 되기도 한다. 따라서 작품을 창작하는 양태와 습관에 관한 인지능력은 작가에게
매우 중요한 정신적 열정의 기본 요소로 작용한다.
최근 이경희의 작품개념은 시각적으로 상당한 변화를 보이고 있다. 특히
그녀는 작품활동에 집중적으로 붓으로 캔버스나 종이에 그려온 소위 구상회화에 탐닉한 기간이 상당히 길었다. 그럼에도 60대 초반 이러한 자기부정을 통해 정통 회화양식에 기반하는 조형감각의 틀을 과감하게 포기하는 양태의 큰 인식변화를
보이고 있다. 캔버스에 무엇인가를 그려야 한다는 강박의 단순한 고전미학의 관점에서 깨어나 자신의 진정한
페르소나로부터 현대인이 갈구하는 욕구, 즉 해방구 역할로써 새로운 직관과 사유를 개념적 형태로 진화시키는
결과물을 보여주고 있다는 사실이다. 이것은 그녀의 미의식에서 오랫동안 천착하고 숭배해온 모던니즘의 유물론적
사고를 과감히 포기한 것과 다름없는 것이다.
들뢰즈(Gilles Deleuze) 철학에서 사유의 무한대에서 초래되는 실험적 사유의 유희적 변화에 대한 노마디즘(Nomadism) 영토확장 개념은 기존 영역을 초월하는 사유를 통해 인류의 생존적 자발성에서 출발하는 본능적
행위이다. 생존원리를 기초한 미술사적 흐름도 원시적 사유로부터 현대에 이르는 인간의 사유에 대한 갈망으로부터
기인한 것이다. 그간 보여준 그녀의 평면작업에서 관찰되는 조형적 직관은 매우 뛰어나다. 그럼에도 철학자 ‘미셀 푸코’는
‘사유가 없는 직관은 허구이고 직관에 개념이 없다면 맹목이다.’라고
말하고 있다. 그녀의 경우 수 십 년간 작가생활에서 자연스럽게 얻어지는 일반적인 경험론과 성찰에 대해
그 동안 작품 속에 내재한 관습의 근원을 결론적으로 부정하고 있으며 이제 그녀의 깊은 에고(ego)에서
새로운 지평으로 출현하는 에피파니(Epiphany)의 직관을 상상이란 두뇌로부터 배설하고 있는 것이다. In the Gilles Deleuze philosophy, the concept of Nomadism
territorial expansion for the playful changes in experimental thoughts arising
from the infinite number of thoughts is an instinctive act that starts from the
survival spontaneity of mankind through reasons that transcend the existing
domain. The flow of art history based on the principle of survival
is also due to the longing for human thinking from primitive thinking to modern
times. Her formative intuition is very outstanding in her artwork. Nevertheless,
philosopher, ‘Michel Foucault’ say, "Intuition without reason is fiction
and meaningless if there is no concept of intuition." In her case, she
conclusively denies the source of customs inherent in her work about the
general empirical theory and reflection naturally obtained in her decades of
artist life, and now excretes Epiphany's intuition from her brain, which
emerges as a new horizon in her deep ego.
그녀의 작품 명제인 ‘Memory of the moon’-’달에 대한 기억, 달 항아리’는 단순한 서정(抒情)의
의미가 아닌 다분히 인문학, 철학적인 의미를 던져주고 있다. 흔히
우리가 유아적인 순수한 꿈 같은 동심세계를 잠시 차용하고 있지만 그녀의 달은 그만의 회화적 서사로써 사유의 개념을 동반하는 역설적인 함의를 지닌다. 이것은 관자(冠者)에게
던지는 순수한 의미의 미지를 향한 관념의 동경(憧憬)이 아닌
그녀가 갖고 있는 미의식의 덩어리이자 곧 사유의 파편인 것이다. 특히 그녀가 작품제작에 사용하는 삼베(Linen)는 접착제를 물과 혼용하여 상당시간 숙성을 통한 노동과 결합된 땀과 열정이란 매개(媒介)의 산물로써 그의 작품가치를 고조시키고 더욱 위대하게 만들고
있다. 이러한 과정에서 관찰해 보면 그리는 행위가 아닌 자신의 의식을 기본 재료와 감성적 색상을 조형적으로
나열시킴으로써 화면을 긴장시키는 관조의 독특한 행위이다. 이것은 일종의 자연을 향한 신성한 제의와 같은
컬트적 형태로부터 그녀의 내제된 원숙한 미감을 작품에 순차적으로 쏟아내는 듯한 심오한 과정으로 보인다. 한
올 한 올의 삼베(linen)의 실이 자연스럽게 생동하듯 중첩되어 뭉치고 기묘하게 응축되면서 일어나는
일련의 현상적인 상호작용을 매개로 물성(物性)과의 긴장관계를
그녀의 감각적인 손을 통해 용해시킨다. 그리고 이들이 다시 캔버스라는 평면과 결합하면서 무의식적이고
동시적인 초월적 공간의 향연을 펼치고 있다. 이러한 독특한 그녀만의 실험적인 제의(祭儀)같은 표현의 침묵과 조용한 응시(凝視)는 곧 원형과 달의 형상으로 드러나고 동시에 시공을 초월한 달을
향한 상상의 여정이 서서히 시작되는 한편의 묵시적 드라마처럼 많은 관자의 감성적 시각을 유혹하고 있다. Her proposition, ‘Memory
of the Moon’ - Thoughts on the Moon, Moon Jar, is not just a lyric, but
rather a humanities and philosophical meaning. Often, we borrow a childlike
pure dream-like concentric world for a while, but her moon has paradoxical
implications that accompany the concept of thought as its own pictorial
narrative. This is not a longing for the pure meaning of toward the unknown world
thrown at the viewer, but a mass of her aesthetic consciousness and a fragment
of thought. In particular, Linen, which she uses to produce her work, is a
product of sweat and passion combined with labor through aging for a
considerable amount of time by mixing glue with water, enhancing and making his
work even greater. Observing in this process, it is not an act of drawing, but
a unique act of contemplation that formatively harmonizes her consciousness
with basic materials and emotional colors and feeling of tension its canvas. It
seems to be a profound process that seems to sequentially pour the mature
aesthetics inherent in her hands into the work from a cult form such as a kind
of sacred ritual to nature. Each thread of hemp cloth naturally overlaps,
clumps, and strangely condenses, dissolving the tension with physical
properties through a series of phenomenal interactions. And as they are combined
with the plane called canvas again, they are holding a feast of unconscious and
simultaneous transcendental space. Her unique experimental ritual-like silence and quiet gaze
are soon revealed in the shape of the circle and moon, and at the same time,
the imaginary journey to the moon transcending time and space begins gradually,
attracting many people’s emotional views like an implied drama. In the end, the narrative of the moon,
the final destination of the formativeity she aims for, overwhelms the dense
gaze of the people as a result of the work. The artist's hidden intention
projects not only his senses but also the flow of consciousness into the work,
and also, deep thoughts resulting from it penetrate the ultimate aesthetic's
dual work trajectory. Looking at it from the
perspective of cosmology, it is a methodology of consciousness that naturally
attracts and attempts to empathize with the vision of the viewer into the
mystery of the planet called the moon and the virtual reality of surreal
imagination. Sometimes it is
contained in the shape of a jar, and sometimes it is a three-dimensional
circular organism that contains the aesthetic consciousness she sees. However, the concept of "difference" seems to be
more necessary in terms of visual aspects with many artists who frequently
borrowed only simple forms as a signature called a moon jar.
Memory of the Moon, Acrylic ,Linen on canvas
그녀의 작품제작의 메커니즘은 평면회화에 대한 실험을 통한 조형성의 확장, 즉 역설과 아이러니, 풍자적 요소의 포스트 미니멀리즘이라는 경향의
컨템퍼러리 (Contemporary Art) 회화영역에 걸쳐있다. 이러한
‘Casualism’캐주얼리즘, 소위 포스트 미니멀리즘은 개체와 개체의 결합에서 기대하지 못한 엉뚱한 혼성 조합(Hybrid Combination)인 제3의 결과물이라는 함의다. 이와 같이 그녀의 작품은 회화의 표면에 입체적 실험과 모호하지만 세련된 결을 시각적 유희로 보는 방식, 현대회화의 시대적 단면을 보여주는 새로운 개념의 창작물이다. 더하여
작품제작 과정의 수행을 통한 동양적인 사유와 정적인 미감을 보여주고 있는 독특하고 창의적인 작품양태를 보이고 있다. 이러한 그녀의 새로운 작품들이 지닌 고유한 신비성이 최근 현대미술 시장의 메카인 미국 마이에미 아트페어에서
구매자에게 선택되는 등, 글로벌시장에서 큰 가능성을 보이고 있다.
이 붕 열 / 평론, 독립큐레이터, IACO Art Agency대표
인 디 엔드 더 내러티브 어브 더 문 더 파이널 데스터네이션
결국 그녀가 지향하는 조형성의 종착지인 달의 서사(Epic)는
작품이라는 결과물로써 관자의 밀도 있는 시선을 압도하고 있다. 이러한 작가의 숨은 의도는 일차적으로
오로지 자신의 감각만이 아닌 의식의 흐름을 작품에 투영시키는 것이고 동시에 그곳에서 비롯되는 깊은 사유는 궁극미학의 이중적인 작품궤적을 관통시키는
것이다. 우주론의 관점에서 바라보며 달이라는 행성의 신비성, 탈
지구적 개체, 즉, 초현실적 상상물(想像物)이라는 가상실체 속으로 관자의 시각을 자연스럽게 끌어들이고
공감을 시도하는 의식의 한 방법론인 것이다. 때론 항아리 형상에 담고 때론 입체적 원형의 유기체로 그녀만의
실존적 미의식을 담아내고 있다. 다만 달 항아리라는 시그니처(Signiture)로
단순 형태만을 자주 차용한 많은 작가들과의 시Memory of the Moon, Acrylic ,Lin그녀의 작품제작의 메커니즘은 평면회화에 대한 실험을 통한 조형성의 확장, 즉 역설과 아이러니, 풍자적 요소의 포스트 미니멀리즘이라는 경향의
컨템퍼러리 (Contemporary Art) 회화영역에 걸쳐있다. 이러한
‘Casualism’캐주얼리즘, 소위 포스트 미니멀리즘은 개체와 개체의 결합에서 기대하지 못한 엉뚱한 혼성 조합(Hybrid Combination)인 제3의 결과물이라는 함의다. 이와 같이 그녀의 작품은 회화의 표면에 입체적 실험과 모호하지만 세련된 결을 시각적 유희로 보는 방식, 현대회화의 시대적 단면을 보여주는 새로운 개념의 창작물이다. 더하여
작품제작 과정의 수행을 통한 동양적인 사유와 정적인 미감을 보여주고 있는 독특하고 창의적인 작품양태를 보이고 있다. 이러한 그녀의 새로운 작품들이 지닌 고유한 신비성이 최근 현대미술 시장의 메카인 미국 마이에미 아트페어에서
구매자에게 선택되는 등, 글로벌시장에서 큰 가능성을 보이고 있다이 붕 열 / 평론, 독립큐레이터, IACO Art Agency대표
The mechanism of her work production
spans the field of contemporary Art painting, which tends to be post-minimalism
of paradox, irony, and satirical elements, which is the expansion of
formability through experiments on flat painting. This 'Casualism', so-called
post-minimalism, is the third result of unexpected hybrid combination of
individuals and individuals. As such, her work is a creation of a new concept
that shows a cross-section of contemporary painting, a way of viewing
three-dimensional experiments, ambiguous but sophisticated texture on the
surface of painting as a visual play. In addition, it shows a unique and
creative form of work that shows oriental thoughts and static aesthetics
through the performance of the production process. The unique mystery of these
new works is showing great potential in the global market, with them recently
being selected by buyers at the Miami Art Fair in the United States, the mecca
of the contemporary art market.
Alvin Lee, Bung Lyol / Critic, Independent Curator, CEO-IACO Art Agency
Biographical NoteLee, Hyoung Hee (1952- )B.F.A. in Department
of Art Education, Sungshin Women's University
Selected Solo
Exhibitions & Group Exhibitions
Solo Exhibitions
14 times of Solo-Exhibitions Group Exhibitions
Scope Art Show New
York 2020 USA
Scope Art Show Miami
2019 USA
AFF Amsterdam 2019
Nethelsland
Art Nordic Denmark
2019
Invitation of L.A. western gallery opening exhibition
Roses and propose of flowers present exhibition (gallery
Gag)
Exhibition of Korea fine arts association (Seoul art
center)
Exhibition of Busan fine arts festival (Busan cultural
center)
Busan art festival exhibition (Busan cultural center)
Gyeongsang-Jeonra exchange exhibition (Busan city hall)
Participated in
various exhibitions in Korea and abroad
Awards
Grand Prize in the 17th Korea
Pastel Grand Contest-Exhibition,
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Heo Eun Young 허은영-Rece…
HEO, EUN YOUNG Recent Works - Installations아트제안전시 출품작 / 강동아트센터 2021.07.22-08.0Mixed media on united Disc wall Details<나와 너, 만남>
한지, 투명아크릴 외 혼합재료,
11개-각 지름 32cm, 높이 8~10cm, 2016~2021'Where do we come from?‘
제작 장면 / 종이에 드로잉, 514x240cm 가변 설치, 2022아스키코드 : "American Standard Code for Information Interchange (미국 정보 교환 표준 부호)" 의 약자. 128개의
부호로 영문 키보드에서 사용 가능한 모든 문자와 부호를 2바이트 이내로 사용 가능하게 한 체계마치 영원을 쥐여줄 듯 눈부시게 도약하는
디지털 문명이 인류의 가상과 실재를
새롭게 구성하며 포스트 휴먼 시대를
이끌고 있다. 하루가 다르게 삶의 방식이
변하고는 있지만, 인간은 여전히 자연과
생명에 근거하여 본질적인 삶의 가치를
찾아 유한한 삶을 사유한다.
작품은 주제 ‘Where do we come
from?'을 디지털 코드(ASCII Code)로
변환하고, 그 0과 1의 숫자를 그린 드로잉
작업이다. 우리는 어디로부터 와서 어디로
가는가? 그것은 끝 모를 메타인지의 세계로
접어든 디지털 스스로의 질문이기도 하다.지금 이 순간 안에서 누리는 현존의 힘은 메멘토
모리, 즉 죽음을 기억함으로써 더욱 분명해지는
살아있음의 힘이다. 그것은 내가 마주한 대상과
존재 자체에 집중하는 일이기도 하다. 사람은 관계
속에서 비로소 존재하기에 만남은 필연이다.
진정한 만남은 내가 마주한 타자이거나 내 안의 또
다른 나일 수도 있는 그 대상을 찾아 기다리고
바라보고 느끼고 기억하는 것이다.
그 만남을 향하는 마음을 작품에 담아보려 한다.
삶의 순간을 새로운 생명의 힘으로 물들이고 나와
누군가의 기억으로 다시 이어지기를 기대하는 마음으로...허 은 영
홍익대학교 서양화과, 홍익대학교 대학원 회화과 졸업
개인전 19회(2001~2019)
주요 단체전 :
2021 ‘생명 그리고 생명’ 수원미술전시관
2020 전주현대미술관(JeMA), 전주
2019 전주현대미술관개관 초대전, 전주현대미술관(JeMA), 전주
2018 ‘E-Witness, Women and War’ (콰타이어갤러리, 헤이그, 네덜란드)
2017 ‘다시 꽃을 보다-전쟁과 여성들’(서울시립미술관SeMA창고, 서울)
2016 ‘한국-네덜란드 현대미술교류전 (콰타이어갤러리, 헤이그 / 쉐마미술관, 청주)
2016 ART KOREA LONDON (Le Dame Art Gallery, 런던, 영국)
2015 ‘생명 대 생명‘ 아트제안 기획전(서울혁신파크 내 (구)동물실험실, 서울)
2015 ’망각에 저항하기’ (안산 문화예술의 전당, 안산)
2014 사라예보겨울축제(Peace Art Freedom Festival) (사라예보시립미술관, 보스니아 &헤르체고비나)
2014 ‘가장 높은 미술관, 가장 낮은 이야기‘ 아트제안 기획전 (성북동 북정미술관, 서울)
2011 KCAF 한국현대미술제 (예술의전당, 서울)
2010 Los Angeles Artshow (LA 컨벤션센터, Los Angeles, 미국)
2010 한중현대미술전(스콜라아트센터, 북경, 중국)
2007~8 St-art 12-13e Édition(Parc des exposition, 스트라스부르, 프랑스)
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JEMA K-Art Spirit 치유와 회…
위로부터 순서Park, Young Yul / 박영율- 1.2020,그를 만나다20056, 117x65cm,혼합재료 2.2021. 그를 만나다21113.160x122cm, mixed media 3.2021. 그를 만나다21114.79x79cm, mixed mediaCha, Kyung Jin / 차경진 1.Journey to Hunab Ku, copper, 88x140x35cm, 동 용접, 2015. 2.Seed , copper, 95x95cm on panal, 2020 3.Seed , copper, 95x95cm, 2020Lee, Jung Ran / 이정란 1.Letter, Utraviolet 18,60X60cm,Color pencil on PVC board 2.LetterScarlet18,60X60cm,Color pencil on PVC board 3.Line Black-Red18, 60X60cm,Color pencil on PVC boardYoon, Hyun Gu / 윤현구 1.물고기6마리 illumintion,45.533 캔버스,골판지,아교,금박 2.물고기9마리 illumination.72.750 캔버스,골판지,아교,금박 3.물고기15마리 illumination.116.780.3,캔버스,골판지,아교,금박COVID-19 K-ARTSPIRIT - ‘치유와 회복의 공간’ 'Space of Cure & Restore'특별작가초대전
13 APRIL - 31 MAY기획 IACO Gallery Agency 협업 / Venue- JEMA - 전주현대미술관
이붕열 / Alvin
Lee, Bung Lyol
독립디렉터, 규레이터, IACO Art Agency 대표
이번 Covid-19 Art Spirit 특별전은 최근 코로나 팬데믹으로 우리사회는 여러 분야에서 역사상 가장 아픈 시련기를 겪고 있다. 특히 미술분야의 작가들은 경제적으로 어려운 환경을 맞고 있을 뿐만 아니라 작품활동도 작가의 혼과 열정을 잃어가고
있다. 이러한 환경에서 사회와 작가가 소통하며 서로를 위로하는 특별한 전시를 기획하고 대중들에게 잠시나마
마음의 ‘위로와 치유’할 수 있는 기회를 마련하고 어려운 고난을 함께 극복하는 위한 목적의 전시다. K-ART SPIRIT ‘은 어려운 코로나
정국에서 우울해진 모든 사람들에게 위로와 극복의 메시지를 주고 삶의 새로운 용기를 얻는 기회가 되기를 바라는 마음이다. 이러한 예술적 공감기재인 작품을 통해 전주지역의 작가와 서울지역 작가가 조우하여 지역성을 탈피하고 상호 작가정신을
교감, 새로운 도약의 확장성을 획득하는 계기를 마련 하고 작가들이 보다 확대된 작품성을 발현시키고 전국적으로
홍보 할 수 있는 기회의 장을 마련하는 새로운 개념의 미술 전시다. 동시에 많은 국민과 작가들에게 새로운
용기와 치유의 기회를 만들고 동시에 지속 가능한 아트 플랫폼을 구축할 것이다. 국내 지역작가들의 미술생태계는
지협적인 변방작가에서 탈피되는 새로운 질서가 절실히 필요하며 이러한 전시를 기반으로 국제경쟁력 있는 작가 발굴을 통해 글로벌 작가로의 기회를
만드는 새로운 이벤트가 될 것이다. 관람객에게는 ‘치유와
회복의 시간’과 동시에 차세대 예술가들을 발굴하여 국제적인 작가로의
도약을 위한 시스템을 구축, 해외 미술시장에 참가하여 활동력을 키우고 세계 수준의 작가를 만드는 전문
‘Art Agency 미술관’으로써의 창구역할을 구현하고자
하는데 그 목적이 있다.'위로와 치유를 위한 미학’ 이라는 새로운 이슈를 통해
작가와 관람객의 미학적 공감을 소통하고 어려운 시대에 상처받은 우리사회 모든 사람들에게 위로와 ‘치유의 공간’을 제공하는 특별한 기획
전시다. 이와 관련하여 작가의 지속 가능한 창작을 함께 고민하는 차원에서 기획하고 몇 가지 이야기 하고자
한다.The COVID-19 Art Spirit special exhibition is the most painful ordeal in history in various fields due to the recent Corona Pandemic. In particular, artists in the art field are not only facing an economically difficult environment, but also losing the artist's soul and passion in their work activities. In this environment, it is an exhibition aimed at planning a special exhibition where society and artists communicate and comfort each other, providing the public with opportunities to "comfort and heal" their minds for a while, and overcoming difficult hardships together. K-ART SPIRIT' hopes that it will be an opportunity to give a message of comfort and overcoming to everyone who is depressed in the difficult COVID-19 situation and gain new courage in life. Through this artistic empathy, it is a new concept of art exhibition that provides an opportunity for artists to meet in Jeonju and Seoul to break away from locality, communicate with each other, gain scalability of a new leap forward, and promote them nationwide. At the same time, we will create new courage and healing opportunities for many people and artists and build a sustainable art platform at the same time.The art ecosystem of local artists in Korea desperately needs a new order to break away from intellectual marginal artists, and based on these exhibitions, it will be a new event to create opportunities for global artists by discovering international competitive artists. The goal is to create a system for next-generation artists to leap into international artists at the same time as "time for healing and recovery" for visitors to participate in the overseas art market to develop activity and create world-class artists.It is a special planned exhibition that communicates the aesthetic sympathy of artists and visitors through the new issue of "Aesthetics for Comfort and Healing" and provides comfort and "Healing Space" to everyone in our society who is hurt in difficult times. In this regard, I would like to plan and talk about some things in order to think about the artist's sustainable creation together.
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Park, Young Yul -Recent…
Artist, Park Young Yul Recent Works ReviewOn the study of the new work "Meet Him" series. 새로운 작업 ‘그를 만나다’ 시리즈에 대한 소고 - 박 영 율 All beings in the world live with a destiny that is bound to change.Furthermore, since we are human beings who live with countless thoughts, the fate of the change is a harsh package of luggage, and additionally the lives of artists living their lives as artists could be better. 세상 모든 존재들은 변화할 수밖에 없는 숙명을 지니고 살아가고 있다.더군다나 우리 인간은 무수한 생각 과 더불어 살아가는 존재이기에 그 변화라고 하는 숙명은 가혹한 짐 꾸러미 일 수밖에 없는데 그에 한술 더해 예술가로의 삶을 살아가고 있는 작가들의 삶들은 더할 나위 없다 하겠다. In the case of my work, it seems that I have undergone a change over the past 40 years depending on the trend of the spirit of the times and the flow of humanities.From the early and mid-80s,' superhumanity' to the 'Pine tree' series, the main contents of my work were the forms and contents of using the energy created by protesting absurdity or colliding with different elements, which used to mainly deal with communication and understanding of all my life, as if a monologue of myself and sometimes mainstream stories. 나의 작업의 경우에도 각각의 시기에 따른 시대정신과 인문학적 상황의 흐름에 따라 근40 년간 의 변화를 거처 온듯하다. 80년대 초중반의 ‘초인’ 시리즈로부터 시작하여 ‘소나무’ 시리즈에 이르기까지 내 작업의 주된 내용은 부조리에 대해 항변을 하거나 서로 다른 요소들을 충돌시켜 만들어지는 에너지를 미학적 근거로 활용하는 형식과 내용들 이었으며, 이것은 나의 삶을 둘러싼 모든 외부적 요소 들 과의 소통과 이해를 주로 다루려 했던 의미들로써 투박한 웅변의 방법을 동원하기도 하고 때론 독백처럼 혼자만의 이야기를 다루었던 내용들이 그 주류였다. However, this private transition can be said to be a meaningful transition toward 'my inner' only, and the beginning of the journey was already foreseen in my work a few years ago. The last theme of the Pine Tree series, which was the most recent series, used the proposition "Return to Me" or "permeate to Me," which was compared to the shapely meaning of the previous project "One line Curve," which foretold the work. 그러나 금번의 사유적전환은 철저히 ‘나의 내부’ 만을 향한 의미적 전환이라고 할 수 있겠고 그 여정의 시작은 몇 년 전의 나의 작업들에서 이미 예견되어지고 있었다고 할 수 있겠다. 가장 최근 시리즈 작업 이였던 소나무 시리즈의 마지막 테마가 ‘나에게로의 귀환’이나 ‘내게 로 스미다’라는 명제를 사용 했었는데 그 이전 작업의 명제였던 ‘일자곡선’ 이라는 형상적인 의미와 비교해 볼 때 그 당시의 사유전환이 이번작업을 예고했던 것 이라 볼 수 있겠다. By the end of the pine tree series, I was already past the age of 60 when I had to go around the "Twelve-animals" five times, and I had to let go the work down for a while because I was tired of the pine tree work.By the time the lethargic routine of giving up painting continued, I now began to wonder about my fundamental identity and my unconscious world before it, which all resulted in a desire to identify the source of my current consciousness, as if it were the cause, and eventually it moved me. 소나무 시리즈를 끝마칠 즈음 나는 ‘십이 지간’ 을 다섯 번 이나 돌아야 하는 60세를 이미 지나가고 있었고 소나무작업에 지쳐 있었던 나는 한동안 작업에 손을 놓아야만 했었다.그림을 포기해야만 하는가의 물음이 나를 지배하는 무기력한 일상이 지속될 그즈음에 나는 현제 나의 근본적 정체성과 그 정체성 이전의 나의 무의식세계가 궁금해지기 시작했고, 이는 모든 결과에는 그 원인이 있는 것처럼 현재 나의 의식의 근원을 확인해 보고픈 열망이 일어나기 시작했으며 결국 그것이 나를 움직여 주었다. The realm of consciousness that lives on the surface of my own thought and dominates me, And at the same time, in the deep sea of my own thought, the realm of the universe called wriggling 'unconsciousness'... 나의 사유의 표면에 서식하며 나를 지배하고 있는 ‘자아’ 라는 의식의 영역과그와 동시에 내 사유의 심해에서 꿈틀대는 ‘무의식’ 이라고 하는 우주와도 같은 영역들... The desire to calmly look into the basis of the narrow-minded belief of the self has allowed me to work again, and eventually the works unfold into abstract forms of work that have been removed. This is the beginning of my journey to find unknown combinations of time and space. Just as a tiny object called Voyager 2 is leisurely passing through Pluto, and beyond our galaxy, it's a long, long journey towards infinity... In January, 2021. 그 편협할 수 밖에 없는 자아라고 하는 신념 따위의 기저를 담담하게 들여다보고 싶은 욕구가 나로 하여금 다시 작업을 할 수 있게 했고 결국 그 작업들은 형태들이 제거된 추상적형식의 작품들로 펼쳐지게 된다. 시간이나 공간의 그 끝을 알 수도 없는 미지의 조합들을 찾아서 떠나가는 나의 여정은 이렇게 시작이 되고 있다. 마치 보이져 2호라는 작디작은 물체가 명왕성을 유유히 지나 우리은하계 저 너머로 무한을 향한 길고 긴 유랑을 떠나가고 있듯이... 2021. 1월에박영율
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